Alexa Backal. Sobre Andy Warhol
"Puedes escribir libros, salir en la tele, conceder entrevistas: eres una gran celebridad y nadie te desprecia por ser un ladrón. Aún estás en las alturas. Esto se debe a que lo que más quiere la gente son estrellas." Andy Warhol
Su nombre real era Andrew Warhola
Nace el 6 de agosto de 1928 en Pittsburg, Pennsylvania. Era el menor de tres hijos de Andrej y Julia Warhola, emigrantes eslovacos.
Durante su infancia Warhol coloreaba, hacía recortes de papel, dibujaba y pintaba.
Se mudó a Nueva York
A la edad de ocho años le regalaron un proyector de cine con el que trasmitía caricaturas en las paredes de su casa. Un año después comenzó a interesarse por la fotografía y desde este momento hasta los 11 años, asistió todos los sábados a clases gratuitas de arte. En ese periodo comenzó a coleccionar fotografías de estrellas de cine.
Sus primeros estudios los realizó en el Holmes Elementary y después de graduarse ingresa al Schendey High School, donde también toma clases de arte optativas, y se titula sin haber cursado el tercer año de preparatoria. En 1942 muere su padre.
Andy era homosexual declarado, en uno de sus libros admitió haber tenido romances con diferentes hombres. Pero al principio de su carrera, insinúa haber tenido algunas novias.
En 1945 fue admitido en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh, donde cuatro años más tarde obtiene el título de licenciatura en Bellas Artes y Diseño Pictórico. Estudia con los artistas Balcomb Greene, Robert Lepper, Samuel Rosenberg y Howar Worner, entre otros.
En 1946, durante su primer año en el Carnegie, por su bajo desempeño se ve obligado a tomar un curso de dibujo en el verano. Con la obra realizada en ese tiempo, gana el Martin B. Leisser Prize, y hace una exposición en la galería de las Bellas Artes de su universidad.
En 1949, comienza a trabajar como artista comercial. Su primer trabajo es para la revista Glamour. Gran parte de su obra comercial se sostenía en fotografías y otro tipo de imágenes de base; proceso que va a desarrollar durante toda su vida.
Su primera exposición individual se llevó a cabo en la Hugo Gallery, en Nueva York, en junio de 1952.
En la década de los cincuenta, recibe del American Institute of Graphic Arts y de The Art Directors Club, numerosos premios por su obra, volviéndose uno de los ilustradores de más renombre de esa época
Los últimos años de la década de los 50 se enfoca más en la pintura.
A principios de los años sesenta comienza a pintar imágenes Pop, como las pinturas Campbell's Soup Can, que fueron la sensación del mundo del arte y lo convirtieron en toda una celebridad. En 1964 exhibe sus primeras esculturas: cientos de réplicas de grandes cajas de productos de supermercado
Poco después utiliza la serigrafía cortada a mano para reproducir sus dibujos de billetes de dólar, recurre a la técnica de la fotoserigrafía, uno de los medios más importantes de su producción.
Su lugar de trabajo era conocido como “Factory”, en donde se llevaban a cabo las mejores fiestas de Nueva York.
Warhol extendió sus talentos intelectuales a otros campos e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más famosos que haya conocido el mundo.
En 1965, se hace manager del grupo The Velvet Underground. En 1967 sacan al mercado un disco producido por Warhol.
En 1965, se retira de la pintura para dedicarse de lleno al cine. Pero dos años más tarde comienza a pintar de nuevo.
Su trabajo cinematográfico inicia en 1963 y realizó más de 600 películas
La fascinación que Warhol vivió por las estrellas de Hollywood, lo llevó a pintar la larga serie de retratos de Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Elvis Presley, en 1962.
Su primer libro se publicó en 1967. Un año después aparece la transcripción de sus conversaciones grabadas.
El 3 de junio de 1968, la actriz Valerie Solanas, entró al estudio del artista y le dio un tiro en el pecho. Solanas argumentó que Warhol había robado una obra que ella escribió. Gravemente herido, Andy queda hospitalizado durante dos meses.
En 1969 se publica el primer ejemplar de la revista Interview, "un diario cinematográfico mensual" orientado también a la moda y la cultura popular, y de la que Warhol es cofundador.
Comenzó a hacer docenas, y luego miles, de retratos pintados por él a gente de sociedad de gran influencia, estrellas de música, cine y muchos más clientes de la "sociedad".
Tras años de sufrir problemas médicos, Warhol ingresa al New York Hospital para someterse a una cirugía de vejiga. Sale bien de la operación, pero debido a complicaciones durante la recuperación, el artista fallece al día siguiente, el 22 de febrero de 1987.
Contexto
Durante la vida de Warhol se dieron ciertos eventos importantes en la historia de Estados Unidos que influyeron en su vida y sus obra y que podemos ver el reflejo de estos acontecimientos en ellas.
La gran depresión
La actividad industrial disminuyó, la producción del acero bajó y también el volumen del transporte por ferrocarril. La industria de construcción de viviendas entró en bancarrota y la demanda de productos era cada vez menor esto se reflejó en la quiebra (el crac) en la Bolsa de Valores de Nueva York.
El jueves 24 de octubre de 1929 fue un día de pánico conocido como el jueves negro. Muchas personas perdieron la confianza en la bolsa y decidieron retirarse del mercado.
La crisis aumentó día con día y el pánico también. La caída repentina de la bolsa arrastró a toda la economía. Años después, el nivel de muertes y suicidios aumentó.
El economista británico, John Maynard Keynes, vio en el desempleo el mayor problema de la crisis y propuso la adopción de la política de pleno empleo en el cual proponía que los gobiernos aumentaran las inversiones en obras públicas con lo cual se emplearían mano de obra y se pondría dinero en circulación oara recobrar la producción y consumismo. En EUA se aplicó en 1933.
El plan más exitoso fue el New Deal adoptado por Franklin D. Roosevelt.
Un brain trust (fideicomiso de cerebros) comenzó a estudiar las reformas necesaria para arreglar los problemas que había traído el liberalismo económico impulsado por los republicanos y propuso un programa de economía mixta que consistía en respetar las leyes del mercado pero con la intervención del estado.
El New Deal consistió en : devaluar el dólar , controlar las actividades de los bancos, bolsas y aseguradoras , ayudar a los agricultores, darle garantías a los empresarios sobre sus inversiones y defender los derechos de los trabajadores.
El New Deal no logro reactivar la inversión privada y empeoró con la segunda guerra mundial
Segunda Guerra Mundial
En septiembre de 1939 estalla segunda guerra mundial. Roosevelt anuncio que EUA se iba a mantener neutral más no indiferente.
En 1940 los Británicos estaban siendo atacados por los Alemanes y los británicos no tenían el dinero suficiente para cómprale a EUA armas así que Roosevelt diseño una ley para poderle prestar a los ingleses millones de dólares.
Todo empezó cuando Japón ataco sorpresivamente la base de Peral Harbor. EUA, declara la guerra contra Japón. Alemania e Italia eran aliados de Japón lo que provoca que estos 3 países le declaren la guerra a EUA. Después de una seria de batallas entre Japón y EUA todo termina cuando EUA en 1945 ataca, por órdenes de Harry Truman (presidente de EUA) las ciudades de Hiroshima y Nagasaki en Agosto de 1945. Japón decide rendirse el 14 de agosto.
La Guerra Fría
En la Conferencia de Yalta en 1945 Franklin D. Roosevelt, Winston Churchill y Josef Stalin prometieron elecciones libres en todas las naciones liberadas de Europa.
Los aliados occidentales restauraron la democracia en Europa occidental. Pero las fuerzas soviéticas impusieron dictaduras comunistas en Europa oriental.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Corea fue dividida en dos estados, controlados por gobiernos comunistas y pro-occidentales. Estos no tardaron n entrar en guerra, apoyados por las grandes potencias.
En este momento, se decide el no usar armas atómicas en conflictos localizados, para evitar las repercusiones que tendría esta acción en la política global.
Durante la guerra de Corea, las tropas Estadounidenses entraron en combate directo con China que habían acudido a ayudar a Corea.
Tras tres años de lucha, la guerra quedó término con la misma división política.
En 1953, Dwight D. Eisenhower, es elegido como presidente de los Estados Unidos. El ayudo en impulsar el uso de la inteligencia y las acciones encubiertas y el crear un avión espía U-2 que después ayudaría al final de la guerra fría.
En 1957, la URSS lanza el primer satélite artificial, Sputnik. EUA trata de robar el liderazgo y en 1958 forma la NASA.
En 1960, las tensiones entre la URSS y EUA empeoran.
La Guerra Fría dura muchos años, porque al ser tanto EUA como la URSS las mayores potencias del mundo, las tensiones nunca acabaron. (por todo competían)
En 1959, Fidel Castro se alza como líder de un Revolución en Cuba en la que se formó un gobierno comunista. El presidente Eisenhower no iba a permitir la creación de un estado comunista tan cerca de EUA, así que pone a la CIA a idear un plan para derrotar a Castro.
En 1961, John F. Kennedy es elegido presidente.
El 22 de noviembre de 1963, durante un desfile en Dallas John Fitzgerald Kennedy es asesinado, supuestamente por Lee Harvey Oswald.
Guerra de Vietnam
En Agosto de 1964 dos barcos estadounidenses que navegaban en el golfo de Tonkin informaron haber recibido ataque de barcos torpederos norvietnamitas. El presiente Johnson, en venganza lanzó ataques aéreos contra bases navales norvietnamitas. Los primeros soldados de combate norteamericanos fueron enviados a Vietnam en marzo de 1965. Para 1968 ya habían llegado 500000 estadounidenses. Mientras tanto, la fuerza aérea intensificó los ataques con aviones b52 contra Vietnam del norte, bombardeando primero las bases y rutas militares y después las fábricas y plantas de energía. Pero esta aplicación masiva de fuerza militar sólo consiguió devastar Vietnam.
Las universidades fueron escenario de manifestaciones de protesta contra el involucramiento de EUA en esta guerra no declarada e injustificada. En octubre de 1967, 200000 manifestantes marcharon frente al pentágono exigiendo la paz.
Después del asesinato de Martin Luther King empezaron a desencadenarse motines raciales en diferentes ciudades. Fueron incendiados barrios negros y 43 personas murieron en su mayoría negros.
Muchos estadounidenses se oponían a la participación de EUA en la guerra y en las elecciones de 1968 el presidente Johnson se enfrentó a fuertes desafíos por dos demócratas opuestos a la guerra. El 31 de mayo en vista de una humillante derrota en las encuestas de opinión publica, Johnson se retiró de la contienda presidencial y ofreció negociar el fin de la guerra. Richard Nixon fue elegido presidente.
En 1970 Nixon envió soldados estadounidenses a Camboya, acción que provocó las protestas estudiantiles más grandes y violentas de la historia del país.
Cuando los estadounidenses se dieron cuenta de que la guerra estaba llegando a su fin la situación cambió; la tranquilidad volvió a las universidades y ciudades de la nación. Nixon había firmado un tratado de paz con Vietnam del norte y había traído de regreso a los soldados.
La Guerra de Vietnam afecta más a las tensiones entre EUA y la URSS, ya que EUA apoyaba a Vietnam del Sur mientras que la URSS apoyaban a Vietnam del Norte.
Décadas de cambio
En los años 70 las mujeres se habían incorporado gradualmente a la fuerza laboral, la obtención legal del aborto, la creación de guarderías e igualdad en salarios y trabajos.
Durante la campaña de Nixon, en 1973, 5 hombres fueron arrestados por meterse en las oficinas generales del partido demócrata en el edificio de apartamentos y oficinas Watergate en Washington DC. Periodistas que investigaban el incidente descubrieron que los 5 hombres eran empleados por el comité de reelección del presidente Nixon. Los hombres pretendían robar documentos del partido demócrata. El 9 de agosto Richard Nixon renunció a su cargo.
Gerald Ford asumió el cargo y para las elecciones de 1976 el candidato electo fue Jimmy Carter.
Carter tuvo problemas trabajando con el congreso y uno de los problemas mas grandes fue la inflación en los años 70 y para los 80s la inflación estaba muy fuerte y la economía no era buena. Surgió otra crisis en 1979cuando radicales iraníes tomaron como rehenes a 50 ciudadanos estadounidenses.
El mayor éxito de Carter fue la negociación del acuerdo del Campo David entre Israel y Egipto, que condujo a un histórico tratado de paz entre ambos.
En las elecciones de 1980, el ganador de las elecciones fue Ronald Reagan, el partido de este se caracterizó por la recuperación económica y fue reelegido en las elecciones de 1984.
Hacia el Siglo XXI
En la década de los 80 la población, los trabajos y las aptitudes necesarias habían sufrido grandes cambios, alrededor del 75% de la población trabajaba en los empleos de servicios. Estas actividades se vieron beneficiadas por la accesibilidad a la tecnología.
La reforma de la política de inmigración en 1965 hizo aumentar el número de recién llegados de Asia y América Latina y el país se convirtió nuevamente en un asilo para la gente de todo el mundo.
Reagan logró fusionar todas las tendencias de la derecha por su invariable optimismo y capacidad por exaltar loa logros y aspiraciones del pueblo. Los primeros años de su presidencia se caracterizaron por un recesión que afectó casi todos los sectores. La tasa de desempleo subió a más de 10% y la productividad nacional se frenó aumentando el consumo de bienes importados. A principios de 1984 la economía se empezó a recuperar, el gasto del consumidor aumentó, el mercado de valores ascendió y la economía generó más de 13 millones de nuevos empleos. Pero la deuda nacional casi se triplicó bajo el gobierno de Reagan.
En 1988 George Bush fue electo presidente de EUA
Retrato de Marilyn Monroe, serigrafía y acrílico sobre lienzo, 1962.
En esta obra el pintor tomo una fotografía para retratarla y después hizo una serigrafía de 9 imágenes a las cuales aplico diversas gamas de colores y tonos.
Esta obra es una serigrafia de 9 imágenes de Marylin Monroe en las cuales el autor aplico diversos colores en cada una de ellas para darles diversas luces y sobras. Son fotografias con muy buena iluminación, no hay perspectiva y son imágenes realistas a ezcepcion del color de las obras.
Retrato de Mao. Retrato con luz y poca sombra de Mao a la cual se le aplican colores calidos después sobre un lienzo. Es una fotografia con luces laterales para generar cierta sombra sombre un lado de la cara del retratado. No hay perspectiva y hay una gama de colores calida e intensos. 1973.
Autorretrato con fondo negro. En este autorretrato se pierden ciertas características del rostro de Warhol por la iluminación que se utiliza y el contraste que hay con el fondo. No existe en si una gama de colores, solo podemos ver un amarillo intenso y negro que hace contraste.
Retrato de Elizabeth Taylor, 70’s. Se aplica la misma técnica de la fotografía pero a la hora de aplicar el color se eliminan ciertas facciones de la cara de la retratada. La luz es muy directa y hay pocas sombras.
Skull. Fotografía de un objeto sobre una base con luces que generan sombras relevantes y que hacen que se pierda cierta forma del objeto. 1976.
Estilo y técnica
Andy Warhol realizo diversas cosas a lo largo de su vida como películas, se dedicaba a diseñar, editar, pintar, etc. Para muchas de sus pinturas utilizo la serigrafía que es una técnica de impresión que reproduce la misma imagen en cualquier material y consta en transferir una tinta a través de una malla tensada colocada en un marco. El paso de la tinta se bloque en ciertas partes con barniz dejando libre la zona donde pasara la tinta.
Es un método de impresión repetitivo que funciona para imprimir la misma imagen miles de veces.
Durante una época de su vida Warhol se dedica a hacer retratos de celebridades a los cuales retrataba con una Polaroid en su estudio: The Factory con un fondo blanco y con la ayuda de maquillaje y en ciertas circunstancias usaba la técnica de serigrafía.
Las fotografías de Warhol eran generalmente hechas con una Polaroid en blanco y negro. Son generalmente retratos centrados y con mucha iluminación que resalta las facciones de las celebridades fotografiadas. Son imágenes tomadas en interiores y generalmente son solo del rostro de la persona. Para sus serigrafías utiliza y otras obras aplica después colores muy llamativos, calidos y contrastantes. Es una paleta de color calida en casi todos los casos. No existe mucha perspectiva y son realistas.
Son imágenes en algunos casos extrañas para la época como de objetos comerciales. Así que con esto podemos ver que no solo fotografía personas sino objetos también.
http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/andywarhol.htm
Jaime Micha. Sobre Yasumasa Morimura
Nacido en Osaka, Yasumasa Morimura utiliza la fotografía como medio para resignificar el arte, su obra consiste en apropiarse de grandes obras de arte y montar en ellas su rostro. Ha creado varias series en las que retoma grandes obras de los clásicos, su rostro aparece en todas ellas, siendo él el protagonista, el es “Todos ellos”, los y las que han sido representadas y que han dejado en el imaginario colectivo grabada una imagen referente.
Estudió diseño en la Universidad de arte de la ciudad de Kyoto y a partir de 1978 se interesó por la fotografía.
En el arte contemporáneo, no se puede evitar el análisis, desde la sociología del arte. El arte como una “transfiguración de la realidad”. Se intervienen los espacios, se considera al espectador como parte fundamental de la obra, que tenga una experiencia sensible, llevarlo a la reflexión, al pensamiento. Se rompe con la lógica de la representación, los discursos se hacen desde la fractura. Toma lugar lo singular sin dejar fuera lo social.
Yasumasa Murimora contiene todo esto en su obra, pone a dialogar a los opuestos. Lleva el arte clásico a grandes formatos sobre papel, imagen impresa en un plano, pero con rostro oriental. Autoretratos de Frida Kahlo con cara de Yasumasa Murimora, un Saturno oriental que devora a su hijo, famosas fotografías de las estrellas de Hollywood.
¿Conciliación ó juego irónico de opuestos? Crítica a los cánones establecidos o sólo diversión? Nos invita a traer a la memoria obras que ya se han vuelto íconos del arte, obras que se han quedado en nuestro imaginario colectivo.
Nuestra percepción recibe lo que Murimora sabe que tenemos inscrito, y nos sorprende al hacer presente su rostro, su rostro es suficiente para provocar el dialogo con oriente, y nos hace reflexionar sobre nuestras diferencias ó coincidencias.
Deconstruir para generar otra lectura, recurrente intención artística del arte contemporáneo. En lugar de trabajar sobre el lienzo, trabaja sobre su rostro, por el maquillaje que logra, retoma lo que ve en este, el ángulo, encuadre, la iluminación, los elementos que contiene, los fondos, colores, tonalidades, vestuario, agrega ó transforma elementos que darán a la obra su intervención, el resultado: fotografía como “otra”
Versión del original.
En la serie “Historia del arte” historia atribuible a occidente, lo primero que podemos pensar es que actúa con irreverencia e ironía ante las grandes obras clásicas. Cuestiona con su “atrevimiento”, nos lleva a tratar de ver lo invisible y nos provoca la reflexión respecto a su origen, un hombre nacido poco después de la segunda guerra mundial, en la que Japón quedó devastado con las bombas nucleares, Iroshima y Nagasaky.
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX, occidente volteó la mirada hacia su cultura, algunos artistas retoman los motivos orientales en sus pinturas, muchos objetos decorativos comenzaron a consumirse en Europa. Después de la guerra, los japoneses asimilan la cultura occidental, la integran a la suya.
Yasumasa Murimora durante su formación académica, aprende los referentes en historia del arte que se han vuelto universales. Mantiene en sus obras los íconos e interviene principalmente los rostros, aunque en algunas obras inserta algunos detalles ó los cambia pero que dejan abierta la posibilidad de múltiples interpretaciones, hace sentir al espectador que estas obras “reviven”.
Sus Influencias como la de Duchamp, Manet, Warhol, son principalmente, por ser transgresores de lo establecido.
Apropiación de las obras e intervenirlas, ha sido una de las tendencias en el arte contemporáneo, puede pensarse que la finalidad que tiene el artista japonés al hacer esto, no es una sola, no podemos concluir que se trata únicamente de ironizar, de irreverenciar, ó de hacer un homenaje al autor original, pueden ser los tres motivos. Nos muestra la ambigüedad del mundo actual, su serie “Diálogo circular con Frida Kahlo”; hombre en un cuerpo de mujer, con quien se identifica tal vez por su narcisismo y la obsesiva representación de sí misma y su dolor, de sí misma rodeada y adornada con su raíz cultural, obras de ella a las que les agrega ó transfigura algunos motivos decorativos relativos al Japón.
Murimora refleja la interculturalidad de nuestro tiempo, globalizado, un presente cuajado de imágenes de todo el mundo, instantáneas que van diversificando nuestros referentes, mezclados, confusos. Un mundo indefinible, efímero, sin trascendencia, momentáneo y frágil.
Ha realizado varias series como “Actress” de artistas famosas de Hollywood intervenidas con su rostro, otra serie llamada Pshycoborg, también ha hecho Bodegones e incursionado en el video.
La aportación al arte contemporáneo de su obra ha sido muy importante, otros artistas contemporáneos han transgredido ó utilizado este medio de manera similar, por ejemplo, lo que ha creado David La Chapelle quien ha logrado que su trabajo sea considerado “arte”, también utiliza la fotografía como medio para crear su obra. Medio difícil, pues socialmente la fotografía ha tenido otras funciones. Bordeau en el análisis que publica “Un arte medio, la fotografía”, plantea: “La fotografía se juzga siempre en relación a la función que cumple o puede cumplir, a los ojos de quien la mira, para tal o cual espectador, el juicio estético a menudo asume la forma de una hipótesis que se apoya explícitamente en el reconocimiento de géneros para los que un mismo concepto define a la vez la perfección y el campo de aplicación.”
Se ha considerado a la fotografía como un medio para testimoniar lo que muestra, enuncia ó denuncia, por la capacidad que tiene este medio de registrar la realidad visible, tal cual es, una visión objetiva pues no hay interpretación de ella. Pero en su análisis plantea que al final la fotografía se hace, hasta la fecha, con los cánones clásicos de las artes del pasado; composición, perspectiva, luz, etc. Y que los instrumentos creados, (lentes, tripies, etc.) para este medio han sido inventados para lograr este propósito.
Plantea que es cuestionada como arte porque la idea popular del arte es que para que éste sea, es necesario que se requiera de un dominio de la técnica, una habilidad bien desarrollada, lo cual implica un verdadero esfuerzo y sacrificio. Ante esto, y la popularidad de la fotografía en la modernidad, (y su uso popular) no requiere de mucho esfuerzo, solo apretar un botón y listo.
De la fotografía se espera que su intención sea visible y objetiva, “se niega al acto fotográfico la posibilidad de transfigurar el objeto representado, uno esta condenado, ó autorizado a medir comparativamente la belleza de la representación con la hermosura intrínseca de la cosa representada” Sin embargo existen varios artistas que han logrado aportar al mundo una propuesta nueva, sin dejar de ser crítica.
Algunos artistas contemporáneos han incursionado más en temas políticos, en un texto llamado “La política de las imágenes”, Georges Didi Huberman nos dice: “La imagen quema” “La imagen creada por el artista es algo completamente diferente a un simple corte practicado en el mundo de los aspectos visibles. Es una huella, un surco, un coletazo visual del tiempo que ella quiso tocar, aunque también de aquellos tiempos suplementarios –fatalmente anacrónicos, heterogéneos- que ella no puede, en tanto que arte de la memoria, dejar de aglutinar. Es la ceniza mezclada, más o menos cálida, de una multitud de hogueras.
En lo particular la obra de Yasumasa Morimura me ha sorprendido, aún sin haber tenido la experiencia estética directa, sino a través de lo registrado y difundido en Internet.
Alexis Rodríguez. Sobre Rafael Cauduro
Rafael Cauduro es un pintor mexicano hiperrealista nacido en 1950 en la Ciudad de México. Realizó estudios de arquitectura y diseño industrial en la Universidad Iberoamericana. Obtiene su primera exposición en 1976 en la Casa del Lago, de la misma ciudad. Después de 1981 inicia una relación profesional muy estrecha con la Galería Misrachi, quienes lo representan y promueven a lo largo de varios años. En 1984 se presenta por primera vez en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Dentro del Marco de la Expo Mundial Vancouver 86 realiza el controvertido mural Comunicaciones. En 1991 en el Museo de Arte Moderno. y simultáneamente expone en Nueva York con Alex Rosemberg y en Los Ángeles en la galería de Louise Newman y en la galería Tasende. 1996 expone en la Sala Nacional del Museo del Palacio de Bellas Artes. Creador de los murales Escenarios Subterráneos en la estación Insurgentes del Sistema de Transporte Colectivo Metropolitano de la Ciudad de México.
Cauduro hace uso de la fotografía en algunas de sus obras para obtener detalles para traducirlos al lenguaje pictórico que de otra manera pasarían desapercibidos. Como ejemplo esta a serie de obras que realizó a partir de fotografías publicitarias de Calvin Klein realizadas por el fotógrafo Bruce Weber. Las imágenes de hombres en ropa interior en los 80´s causaban reacciones violentas al grado de que eran pintarrajeados o destruidas, el artista hace un paralelismo entre las imágenes del barroco que debían de vender fe para contrarrestar las ideas de la Reforma, y las imágenes de hoy que utilizan el erotismo como estrategia de mercadotecnia.
Maite García. Sobre Kim Joon
Kim Joon es un fotógrafo que trabaja con el cuerpo humano, misma razón por la cual se puede considerar un artista erótico, debido a que resalta en sus fotos la parte del contacto humano. Su arte trata sobre órganos, mecanismos de vida, desde la unión superficial de la piel tocando otra piel, hasta la metafísica de la dermis; de aquello que es inimitable.
Esto lo logra a través de los elementos fotografiados, pero además, se complementa de varios elementos visuales. Para empezar, La paleta de color que usa es de colores vivos, saturados, contrastados y brillosos. Utiliza diferentes tipos de encuadre: algunas veces utiliza el formato vertical y otra veces el formato horizontal. En cuanto a sus composiciones, están unificadas por un tema que es el cuerpo humano. Sin embargo tiene varias formas de abordarlo. Creo que se puede ver una evolución en su trabajo. Al principio la fotografía contenía elementos individuales, posteriormente se dedico a unificar varias extremidades en una sola, creando seres nuevos y finalmente a optado por explorar los diferentes materiales.
Otro de los puntos que unifican su obra es la relación fondo-forma que existe. En casi todas sus obras son dos tonalidades las que sobresalen: el color natural de la piel y el color del fondo, mismo que usa para pintar formas y crear patrones en la piel de las personas retratadas. 
En la imágen tattooress-red 1 (2005) el encuadre que usa es poco convencional a pesar de ser horizontal. Pues es mucho más largo q alto. La dirección en la que esta apuntando la mano le da movimiento a la foto, sobretodo, porque las articulaciones de la mano no están relajadas. Yo creo que intencionalmente se pierde un poco el volumen con el fondo. Sin embargo, lo que resalta bastante es el trabajo gráfico que hay a los largo del brazo, creando ritmos y un dinamismo plano.
En la imagen duet-run (2006) hay una clara repetición de imágenes, que aunque son idénticas, la diferencia de tamaño y la posición adelantada del cuerpo humano de atrás, nos da una sensación de profundidad, misma que genera líneas de perspectiva.
Otro de sus trabajos es duet-cloud (2006), en donde hay un encuadre vertical. La imagen se forma por dos cueros, uno detrás de otro que a través de los gráficos y del fondo se da una perdida o confusión de contenido hecha intencionalmente. Aquí comienza a explorar texturas en el cuerpo humano. La dirección es dada por la posición del cuerpo que se encuentra de espaldas y por las manos que tocan a este sujeto. Sin embargo, esta perfectamente bien balanceada cosa que se logra no solo a través de los objetos volumétricos, sino también por el peso que obtiene el body paint en la foto.
party-red hole (2007) Me parece una imagen sumamente interesante, ya que a través de la combinación de cuerpos se logra una escultura llena vida. La foto tiene un corte superior en una articulación, sin embargo creo que esto completa el discurso de la imagen; es como se esta torre de personas continuara hacia arriba. Tiene una ligera dirección hacia la derecha, sin embargo esta causa tensión: una sensación de que esta torre no es estable. En esta foto regresa a un fondo liso; la confusión solo se da entre las formas. ¿A quien pertenece cada brazo o cada pierna? Realmente no importa, Kim Joon lo ve como un todo.
En sus trabajo más recientes experimenta cambiando por completo el materias de sus fotografías. Creo que tiene un trabajo mucho más complejo de edición. El fragile-flow blue (2010) hay una composición mucho más compleja. La foto fue tomada en picado, misma que razón que nos ocasiona una sensación de pequeñez. El encuadre es vertical y el peso está dado por diferentes elementos.
Creo que su discurso se centra en diferentes temáticas: El cuerpo humano como material, como movimiento, como objeto en el espacio, como algo inimitable, como materia viva. Kook explora diferentes maneras de cómo se puede abordar el tema del cuerpo humano.
Por otro lado creo que el Body paint tiene gran contenido metafórico. Sus fotografías tienen un aspecto erótico, por lo cual siento que relaciona a los tatuaje y a la sexualidad, ambos como un tabú. Claudia Gómez. Sobre Elliott Erwitt
Elliott Erwitt hijo de padres rusos, nació en París, Francia en el verano de 1928, durante su infancia vivió en Milán, regresó a París en 1938 y al año siguiente su familia se trasladó a Nueva York, para posteriormente establecerse en Los Angeles en 1941. Erwitt empezó a trabajar en fotografía en 1944 y en 1948 volvió a vivir en Nueva York trabajando como fotógrafo profesional, fue allí donde conoció a Robert Capa, Edward Steichen y Roy Striker, todos reconocidos profesionales de la fotografía.
La Segunda Guerra Mundial marcó como ningún otro acontecimiento a la década de 1940 y al siglo en general. Al igual que en 1914, la guerra se extendió a todo el mundo, aunque este conflicto fue mucho más sangriento y modificó el mundo de una manera más radical.
Alemania sufrió la mayor cantidad de bajas militares, fue la URSS que sufrió el mayor número de bajas civiles. America no fue escenario de enfrentamientos significativos y los estados latinoamericanos estuvieron al margen de la confrontación, aun cuando de manera oficial apoyaron la causa de los aliados.
EEUU y la URSS se convirtieron en las nuevas y únicas potencias del mundo. Todas las demás antiguas potencias pasaron a un segundo nivel.
La Sociedad de las Naciones fue reemplazada por la ONU, que a diferencia de la anterior tuvo su sede en Nueva York, dónde estaba Elliot, y no en Europa.
En 1951 Erwitt fue reclutado por el ejército para pelear en la Segunda Guerra Mundial lo cual afectó mucho sus fotografeias, su percepción de la vida, y su trabajo posterior, pero continuó tomando fotografías durante su estancia en Europa, posteriormente trabajó como fotógrafo independiente para publicaciones de gran renombre como las revistas Life, , Colliers, Look entre otras.
Robert Capa lo invitó a trabajar con él en Magnum Photos en donde ha realizado gran parte de su trayectoria profesional, siendo su presidente en numerosas ocasiones, pero continuando su labor como fotógrafo independiente.
Se ha dedicado a tomar fotografías por más de 60 años, ha realizado documentales, libros y exposiciones que han sido exhibidas en los más importantes museos del mundo, ha realizado fotografía periodística, ha fotografiado a personajes famosos como Marilyn Monroe, Nikita Kruschev, el Presidente de Estados Unidos John Kennedy, El Ché Guevara entre otros. Su trabajo ha sido expuesto en grandes ciudades como Nueva York, Chicago, Paris, Zurich, Washington, Japón, Colonia, Australia y Suiza entre otras.
Algunas de sus más memorables fotografías han sido de personas que no sabían que estaban siendo fotografiadas, esto fue muy bien recibido por el público, que ha alabado su estilo desenfadado y espontáneo, y al mismo tiempo poseedor de un gran sentido humanístico.
Un ejemplo de una de sus fotos más conocidas es la que tomó en 1953, en su departamento de Manhattan a su hija recién nacida con su madre y su gato. Esta foto, “Madre e Hija”, ha sido reconocida como muy buena en el medio de la fotografía, para él es sólo una foto familiar que ha tenido éxito.
Al ser cuestionado sobre su trabajo, Erwitt comenta que él todos los días cuando va a trabajar lleva su cámara, es como una protección, casi una “mantita” de seguridad, de esta manera, si se presenta la oportunidad de tomar una buena foto es maravilloso, lo malo es cuando no lleva su cámara y observa momentos que podían haber sido plasmados en una fotografía.
Su trabajo sobre el tema de los perros, no fue premeditado en sus inicios, un día se dio cuenta que tenía muchas fotografías en las que aparecían perros, pues le agradan mucho, fue entonces que decidió armar un libro sobre ellos, posteriormente publicó otros cuatro más con este mismo tema, estos libros han sido de sus publicaciones más conocidas.
Respecto a cómo se considera, si gracioso o divertido, Elliott no decide ser así de forma consciente, pero sí prefiere ser divertido que trágico.
A Erwitt le agradan mucho los museos y cuando asiste a alguno toma también fotografías, realizó una exposición sobre este tema en Japón y editó un libro sobre museos que se llama Museum Watching.
Erwitt ha editado muchos libros de fotografías, algunas más personales que reflejan su inquietud sobre temas de denuncia social, sobre momentos difíciles o simplemente sobre la playa, las manos o el romance, expresando a través del lente su punto de vista sobre la vida con ironía, humor y realismo.
Su trabajo continúa y su inquietud por plasmar el mundo que lo rodea en el instante irrepetible para transmitir su fuerza, seguirá siendo conocido por su calidad y por su capacidad para conmover a quienes tienen la gran oportunidad de admirar sus fotografías.
David Jiménez. Sobre Phillip Lorca diCorcia
Es un Fotógrafo educado en la Universidad de Yale, ha planteado el acercamiento al mundo de la fotografía de una manera cinematográfica. Antes de decidirse por tomar la instantánea definitiva, el artista realiza un concienzudo análisis de las posibilidades que le ofrecen el lugar y los individuos que lo habitan. Además de por esta minuciosidad, diCorcia es mundialmente conocido como uno de los renovadores de la fotografía callejera al mezclar la luz artificial y la natural de una manera muy selectiva.
Philip - Lorca diCorcia usa varias técnicas utilizadas en la fotografía publicitaria.
Al juzgar por sus imágenes, nos da una visión totalmente distinta a la que tenemos normalmente, nos da a conocer por decirlo así, el otro lado de la moneda, el que no conocíamos, al que nunca le prestamos atención.
Elegí esas cinco imágenes, por que cuando las vi, tuvieron un efecto en mi que hizo que me detuviera a mirarlas cuidadosamente y me di cuenta de lo que en realidad quiere expresar el autor con sus fotografías.
En la primera fotografía, la cual es donde hay una señora en una estación de tren, me hizo sentir la sensación de lo que sería estar ahí. El frío, la velocidad del tren, y hasta el ruido.
La modelo esta justamente en la posición exacta y con los gestos necesarios para dar esa sensación que ya mencioné.
Por otra parte también nos da a entender la idea de ese momento, como una señora esta totalmente sola en esa estación del tren a esas horas de la noche, en un lugar que seguramente es muy frío, al juzgar por como esta vestida la señora.
En la segunda fotografía, el anciano de negro; esta fotografía en lo personal me gustó muchísimo por lo que te transmite.
O bueno al menos a mi me transmitió una sensación de curiosidad, ya que el anciano se ve muy misterioso, y aún más con su mirada penetrante.
Tras fijarme bien en el rostro del anciano para ver cada detalle de su expresión, me di cuenta de que había algo detrás, y es otra persona, no muy lejos de el.
Por lo tanto nos da a entender perfectamente con eso que el anciano no solo es misterioso, sino que es muy bajo de estatura, lo cual lo hace más misterioso.
Por lo tanto nos da a entender perfectamente con eso que el anciano no solo es misterioso, sino que es muy bajo de estatura, lo cual lo hace más misterioso.
Lo que me gusta de este fotógrafo es que al momento de ver sus fotografías me hace pensar en que en realidad hay gente muy extraña y gente que le pasan cosas bastante raras. También me gusta porque sus fotografías podrían ser escenas de alguna película.
La tercera fotografía en la que hay un joven sentado viendo hacia el lado opuesto de la calle ( al vidrio de la parada del camión ), lo que me hizo pensar fue que era como un demonio, como si hubiera captado por un instante a un demonio en la parada del camión. Eso por el efecto que tiene el mapa en los ojos del modelo, y la manera en la cual esta viendo hacia el otro lado. Según yo ese es el mensaje oculto de esta foto, o al menos eso me dio a entender a mi, a pesar de que por primera vez solo ves a un joven viendo el mapa en una parada de camión.
La cuarta fotografía, el señor que esta sosteniendo al pez, me causo una curiosidad impresionante, me gustaría saber que le pasa a ese señor, y si esta loco o no, porque tiene cara de ser el hombre mas extraño de la ciudad, y no solo por su cara, sino por la posición en la cual tiene las manos y por su postura sentado.
Esta foto me gustó muchísimo porque en realidad me gustaría ver a alguien así de extraño en la calle.
La quinta y última fotografía me dio a entender que a ese señor lo acababan de asaltar o simplemente de dar una golpiza, lo que no logré entender de esta foto es el periódico, lo habrá traido el señor desde un principio? O posiblemente los que lo golpearon le aventaron el periódico para que viera el porque.
Tambien me lleva a otra idea la cual no se me hace la mas acertada pero esta entre las posibilidades, que al señor le dieron una paliza unos pandilleros simplemente por diversión, debido a que puede que la foto nos intente a dar a entender eso por la manera en la que esta vestido el señor y el barrio detrás , asi como el periódico que puede que sea basura de la calle, y en realidad no sea del señor o nadie se lo haya aventado.
en fin sea lo que sea esta foto me gusta mucho, por la cantidad distinta de ideas que me pueden venir al verla. Me hace imaginarme una historia siempre que la veo.
en fin sea lo que sea esta foto me gusta mucho, por la cantidad distinta de ideas que me pueden venir al verla. Me hace imaginarme una historia siempre que la veo.
Germán Escamilla. Sobre "prothesisbrain"
En mi elección de fotógrafos yo realmente soy mas de seguir personas en blogs, en Tumblr, Flikr, hay mucha mas variedad, pero yo no de esta manera solo encuentro sus imágenes y el nombre de usuario en su cuenta, en este caso quise hacer una reseña de las fotografías de “prothesisbrain“.
Sus imágenes son demasiado dramáticas, mas que nada representan desesperación, escogí 5 de una galería de 255, en la mayoría las personas salen de espaldas, o con poses muy inusuales, con objetos industriales, realmente tiene variedad en el contenido de sus fotografías.
Casi en todas las imágenes tienen solo un plano, para captar la atención en lo que esta enfocado.
La paleta de color de las fotografías es muy real tienen un medio contraste, ya que al parecer usa solo la luz natural, pero en la edicion parece tener un tipo de procesos cruzados.
En algunas fotos usa texto, leyendas como: ”have you ever made some mistakes? yes, i.”, “disapointed”, “afraid of you”.
En otras fotografías usa algún efecto de multiexposición que no conozco, y junta 2 imágenes completamente irreales como en un sueño o bajo el efecto de drogas.
Me gusta mucho su estilo, también tiene algunas imágenes interesantes con mascaras de animales, que en mi punto de vista, representa la irrealidad de la percepción del fotógrafo, y un tanto la emocion bizarra que le da a la foto un toque interesante.
Tiene otras imágenes como una que dice “Lets make better mistakes in the sky”, y una foto desenfocada hacia el cielo, como teniendo la perspectiva de una persona que tuvo una sobredosis en su jardín y esta apunto de morir.
En otra que justifica lo que estoy diciendo el fotógrafo tiene una obsesión, por los jóvenes escandinavos adictos, y dice “Got Methamphetamine, Methamphetamine Got”, y sale una fotografia muy dramática, con los pies en el piso, en blanco y negro y los pies saliendo por lo que parece ser la puerta de un baño.
Sergio Bouzolich. Sobre Mark Wagner
El ilustrador que escogí se llama Mark Wagner y es un ilustrador que utiliza fotografias de revistas viejas para complementarlas con acrílicos, cabe destacar que el hace todo esto de forma manual.
Me llama la atención la forma en la acomoda los elementos para crear imagenes que nos ponen a pensar, ya que tiene bastantes elementos que observer, todas sus ilustraciones tienen un toque antiguo, utiliza colores muy contrastantes y los recortes casi siempre estan en una gama de gris lo que aumenta el efecto de tercera dimension que le da a sus imagenes.
Su paleta de colores me gusta mucho, tiene una preferencia por el color sepia que hace que toda la imagen tenga mucha fuerza, tiene ese toque de videojuegos y cultura retro que es muy interesante, y hace de cada ilustración una experiencia. Visualmente lo que mas me gusta son las combinaciones que hace con las fotografías, como el hombre con cabezsa de fotocopiadora, u otra donde hay una persona con muchos ojos, en fin se da a muchas interpretaciones, y es entretenido tratar de darle un sentido propio.
Comunica muchas cosas, tiene muchos detalles que no terminan de salir, cada vez que veo una imágen veo diferentes cosas, su trabajo me resulta muy inspirador, aunque personalmente yo prefiero dibujar todo a mano.
Hay una cosa que no me agrada y es el hecho de que crea a veces un exceso de ruido en las imagenes, las mancha mucho de negro o pone salpicaduras de pintura que a mi gusto ensucian el dibujo y desvian demasiado la atención hacia esos puntos, y siento que ese no era el objetivo.
Es muy mínimo la verdad es que solo es una opinión de alguien que le gusta mucho la limpieza en los trazos y las ilustraciones, fuera de ese pequeño detalle todo su trabajo me resulta enriquecedor, me ayuda a divagar e inspirarme para mis trabajos.
Jonathan Leroy. Sobre Gregory Crewdson
Nació en Brooklyn, Nueva York el 26 de septiembre de 1962.
El es un fotógrafo famoso que se diplomó en Bellas Artes por la Universidad de Yale y actualmente es professor ahi.
Su estilo es totalmente surreal lo cual en sus fotografís parece ser que son de cine pero no, el fotografía vecindarios americanos, personas americanas expresando una emoción o acción y utliza una alta saturación y con posproducción logrando el efecto de cine.
Mayte Valdéz. Sobre Izima Kaoru
Izima Kaoru es un fotógrafo que nació en Kyoto Japón en 1954. Involucrado ampliamente con fotografía de moda y que trabajo en diversas revistas de estos temas.
A partir de 1993 comenzó con el proyecto Landscape with a corpse, para el cual platicaba con artistas y modelos sobre cuál sería su muerte perfecta o soñada. Mezclando de este modo la muerte con la moda, dentro de espacios pop.
Sus fotos no muestran nada terrorífico ni desagradable a la vista, es una pose estética la cual intenta imitar de manera elegante la muerte de diversas formas y contando una historia a través de imágenes.
Cada propuesta mortuoria consta de una pequeña serie de 2 a 3 fotografías en formato rectangular horizontal y vertical, donde cambia el plano pero no la escenografía, normalmente consta de un plano muy abierto donde apenas y se alcanza a apreciar el cadáver por la lejanía, sigue con un plano más cerrado donde ya es posible apreciar la escena con más detalle y terminando con el ultimo donde vez con detalle la ropa del personaje.
En su toma utiliza el enfoque selectivo y la profundidad de campo, queriendo guiar la atención en un primer plano a toda la escena y en el segundo a ver con detalle la modelo que posa su muerte predilecta. Los colores que utiliza son contrastantes y brillantes, sin embargo parece ser tratados para en ciertas fotos ser colores no tan saturados pero contrastantes. Sobre todo para hacer contrastar la escena del crimen.
Todas las escenas son perfectamente montadas, con todos los detalles previamente planeados y perfectamente cuidados. Las modelos que usa siempre son mujeres jóvenes y delgadas, disponiendo “sus cadáveres” de manera no violenta, para crear una muerte estéticamente bella, elegante y fina, con vestuarios elegantes, llenos de color logrando tomas de moda realmente originales.
A pesar de que son 3 tomas en promedio por escena, el uso de diversos planos parece contar una historia, llevándonos a pensar en los hechos que hicieron ocurrir aquellas muertes.
La mayoría de las luces que usa son de aspecto natural y cuando usa artificial siempre son con tono frió. Las escenas son bastante iluminadas haciendo que casi no existan sombras o que estas sean muy tenues.
Sus composiciones son simples, contienen elementos pero no muchos o no de manera que se vea saturada la toma. Creando tomas limpias, con ejes principalmente inclinados, que hacen la toma más dinámica, con un poco de movimiento a pesar de ser estáticas. Todo parece tener un orden establecido que da la sensación de perfección, pureza y elegancia.
Los objetos crean texturas, en el primer plano todo la escena y el los segundos la textura es dada principalmente por las prendas que usa la modelo, por su cabello o el lugar donde se encuentras acostada.
La textura de la foto es dada por los elementos ya que no contiene ruido o un pixel marcado, si no muestra nitidez y un grano fino.
Los ángulos que usa en sus composiciones son principalmente cenitales, nivel de piso y picado y en muy pero muy pocas usa un ángulo frontal.
José Manuel Romero. Sobre David Lachapelle
David Lachapelle nació en Fairfield, Connecticut, el 11 de marzo de 1969. Su primer acercamiento a la fotografía fue cuando tenía 6 años de edad, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó la cámara para retratar a su madre, Helga LaChapelle, quien vestía un bikini y bebía champaña en un balcón. Desde ese momento, quedó obsesionado con la fotografía.
A los 15 años se mudó a Nueva York. Mintió sobre su edad y consiguió trabajo en la discoteca Studio 54, donde limpiaba las mesas de grandes celebridades y artistas, como Liza Minnelli. Más tarde, su padre lo tomaría y lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó a estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte. Sólo había 30 estudiantes en su curso, por lo que la enseñanza impartida fue excepcional.
Tras su regreso a Nueva York, a los 18 años, entró a trabajar al bar gay Browns. La necesidad económica hizo que David aceptara la propuesta de un sujeto, quien pidió que le practicara una felación a cambio de dinero.
Las descabelladas imágenes de David LaChapelle, bizarras y fantásticas, han aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face y GQ, sólo por nombrar algunas.
Su incondicional dedicación a la originalidad es leyenda dentro del mundo de la moda, el cine y la publicidad. LaChapelle ha participado en campañas publicitarias para una variedad de clientes que incluyen L’Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka,Cervecería Cuahtemoc Moctezuma y la campaña Got Milk?.
David ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas de la talla de Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera y Madonna.
Su exitoso primer libro, LaChapelle Land, fue publicado en 1996 por la editorial Collaway, trayendo dentro de su extravante envoltorio, una explosiva colección de retratos de celebridades y modelos, incluyendo a Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore y Elton John. El sucesor de este debut fue el libro Hotel LaChapelle, también editado por Collaway en 1999, donde se exhiben imágenes frescas con inolvidables colores. LaChapelle continúa logrando fotografías que confrontan nuestros gustos visuales, dando una nueva mirada al paisaje actual.
Una de sus más recurrentes musas es Amanda Lepore, con quien ha creado imágenes en las que se nota un peculiar sentido del humor, incluyendo desnudos.
Sus fotografías han sido exhibidas en las galerías Staley-Wise and Toni Shafrazi Galleries en Nueva York y Fahey-Klein en California, así como en Art Trend en Austria, Camerawork en Alemania, Sozzani and Palazzo delle Esposizioni en Italia, en el Barbican Museum en Londres y más recientemente en el MALBA en Argentina.
Pensar la fotografía como una acción puramente instintiva es posible gracias al fotógrafo David LaChapelle. Este famoso fotógrafo estadounidense hace de sus creaciones artísticas un canal de transmisión que excita las emociones. En sus obras de arte podemos rememorar lo que nos constituye como humanos; seres viscerales, pasionales, excepcionales. Y el arte, recordando a Borges, “debe ser ese espejo que nos revela nuestra propia cara”.
Sumado a la fotografía, LaChapelle dirige videos musicales para selectos artistas, tales como The Dandy Warhols, Jennifer Lopez, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Whitney Houston, Moby, Macy Gray, Blink 182, Elton John, Christina Aguilera ("Dirrty") y The Vines. Se planteó que dirigiese el videoclip de "Sorry" de Madonna, pero lo planteó con un toque de sordidez similar a "Dirrty", y Madonna finalmente eligió a otro director que diese un toque más optimista.
Su inolvidable video para la canción Natural Blues de Moby, tuvo una gran presencia dentro de la industria de los videos musicales durante el año 2000, al mostrar a Moby como un anciano y a Christina Ricci como un ángel. Esta obra fue galardonada como "Mejor Video del Año" en los MTV Europe Music Awards, gracias al voto popular de más de 7 millones de televidentes. Siendo sólo el tercer video a cargo de David LaChapelle, fue nominado también en los MTV Video Music Awards en la categoría "Mejor Video Masculino" y por "Mejor Video Visionario" en los VH-1/Vogue Fashion Awards.
David también se ha desempeñado como director del espectáculo que su amigo, el cantante británico Elton John, presentó en vivo en Las Vegas, llamado The Red Piano.
También ha sido contratado por grandes marcas para dirigir sus comerciales, como la marca de ropa H&M, en cuyo spot se mostraba un fresca versión de la clásica historia de Shakespeare, Romeo y Julieta.
El primer filme dirigido por David LaChapelle, Rize, trataba sobre la danza estilo "krumping" que invadía la ciudad de Los Ángeles y fue estrenado en el Sundance Film Festival en 2005.
En 2011 demandó a la cantante barbadense Rihanna porque su video «S&M» está basado en diversas fotografías de suyas.
En el año 2007, LaChapelle presentó su colección de fotografías Awakened (en español: 'Despiertos'). Las imágenes están inspiradas en el Diluvio Universal, siendo el agua y la religión los elementos comunes en toda la colección.
En algunas de las fotos se ve a diversos individuos (un acólito y un rockero, entre otros) suspendidos en el agua como cadáveres, mientras que en otras se pueden ver museos y catedrales inundados. Una de las obras más representativas de la colección es una gigantesca fotografía que muestra una versión contemporánea de El Diluvio de Miguel Ángel.
La escena está ambientada en la ciudad de Las Vegas e incluye ruinas del hotel Caesars Palace en el fondo y carteles de Gucci y Burger King destrozados.
Las imágenes de LaChapelle han forjado un estilo particular que resulta único, original e inconfundible. Es uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes que emerge del ámbito del espectáculo. Con su estilo muy personal, las imágenes de este artista exploran terrenos extremos, desquiciantes, eróticos, muchas ocasiones barroquizantes, a veces sublimes y otras de extraños niveles de ostentación visual. Asumir el riesgo de decir verdades que incomodan valiéndose de imágenes perturbadoras es muy común entre los artistas, sin embargo, aunque sus medios de expresión sean calificados como irreverentes, siempre son invitaciones a reconsiderar, revisar o replantear el modo en que la sociedad actual enfrenta las contradicciones, injusticias, abusos y excesos que la debilita.
Conclusión
Su obra nos refleja su particular visión del mundo con un toque surrealista, desenfadado, provocador, sensual… y siempre lleno de color. Lo que plasma es de una notable originalidad
Haciendo un análisis general y rápido de su obra fotográfica nos encontramos con que busca: casi siempre una mirada directa a cámara por parte de modelo, para captar la inmensa expresividad de los ojos; los planos largos, que nos muestran mayor parte de la escena, y una iluminación en clave alta.
